撰文・攝影│邱馨慧 圖版提供│東京森美術館 原載於2019年8月号《藝術收藏＋設計》雜誌
以柏林為據點，活躍於全球藝壇的日本藝術家鹽田千春，受邀於東京森美術館舉辦歷來最大規模個展「鹽田千春展：靈魂顫動」，回顧25年的創作歷程，同時也是她這兩年來一邊抗癌一邊創作的寫照。展出包括她最具代表性的，用黑、紅絲線交錯的震撼空間，動用紅線 280公里交織〈不確定的旅程〉，黑線200公里密布焚燒鋼琴的〈在寂靜之中〉，體現出心靈錯雜糾結的漫長人生旅程。森美術館展期至10月27日，百貨公司GINZA SIX同步於挑高空間展示她的〈六艘船〉。
本展策展人，森美術館副館長片岡真實說: 「鹽田千春將看不清未來的世界、難解的不安化為原動力。她用表演和裝置作品，表現無形的記憶、不安、夢、沉默等。」「雖然是自我個性很強的創作者，她所長期追求的，是探問身分認同、界線、存在等普遍性問題。」鹽田千春不輟探索「不存在中的存在」，本展可感受到她對生存的意義，以及人生旅途、靈魂機微等的思考。
森美術館於兩年前提出個展邀請，鹽田千春於記者會中談到她一邊與癌症奮戰，一邊投入準備展覽:「受到森美術館邀約時，第一句話是『活著真好。一直堅持創作真好。』然而翌日因健康檢查結果確定12年前的癌症復發，而排定手術，剛剛歡喜應允辦展，突然面臨不知如何的狀況，這就是本展的開始。這是我的第308次展覽，在死亡邊緣還必須創作卻是第一次，自己也感到震驚，也是深刻地思考自己的生死的機會。」
她為展覽寫下自述:「一直以來，因為喜歡展覽，只要能展覽就如獲重生，如此不斷創作著作品。無可奈何的內心糾結，和語言無法傳達的情感， 難以說明的自我存在，我把那樣的心情化為形體，成為作品。去年癌症復發，即使在死亡邊緣一邊艱苦治療，我想那或許是讓我做出好作品的試煉。這個展覽展出我過去25年來的作品，請看看我和赤裸的靈魂對話。」
編年式展覽回顧25年歷程
展覽以大型裝置為主，加上立體作品、表演錄像、繪畫、舞台設計等相關資料，以編年形式回顧她25年的藝術活動。年代最早的是她五歲畫的蝴蝶與向日葵，看到自己小時候寫錯的名字，鹽田千春再度意識到自己先會畫畫才會寫字。展覽包括她大學時代的作品，以及儀式般的表演錄像。「12歲時決定要當畫家，但隨著技術提升，似乎愈來愈像在模仿別人的畫，於是開始思考真正想做的是什麼，20歲左右放棄繪畫，開始製作裝置作品。」
鹽田千春在京都精華大學主修繪畫，1993到1994年留學澳洲時，已經開始創作大型平行線圖〈一根線〉，或在像繪畫般空間中拉起線條。同一時期，由於夢到自己進入畫中，便以此為靈感發表在身上塗顏料的表演〈變成繪畫〉。之後留學德國，正式開始使用身體表演，此後定居德國持續各種嘗試。
她在2001年參展第一屆橫濱三年展，發表作品〈來自皮膚的記憶〉受到矚目，之後在大阪的國立國際美術館、丸龜市豬熊弦一郎現代美術館、 高知縣立美術館等舉辦個展。如今，鹽田千春在世界各地美術館、國際藝術祭、畫廊等舉辦展覽超過300次，近來每年參加的展覽約有20檔之多。
本展也以紀錄影片和模型的方式呈現她的舞台設 計。鹽田千春自2003年為舞蹈家可世木祐子設計舞台之後，數度受邀參與舞台設計，包括德國基爾歌劇院（Theater Kiel/ Opernhaus）的歌劇《崔斯坦與伊索德》、《齊格飛》、《諸神的黃昏》等，以及細川俊夫作曲，莎莎華爾滋編舞（Sasha Waltz）的歌劇《松風》。
在空間中作畫，從線條開始
森美術館入口手扶梯上方11米的挑高空間，是懸吊65艘白舟的〈去向何方?〉，迎接參觀者進入展覽，開啟一趟旅程。片片白舟也彷彿浮雲，壯觀景象。舟船是鹽田千春作品中頻繁被使用的主題之一，如同大海中漂流的小舟，讓人浮想前方看不見的未來和人生。
進入展場第一件作品，是以女兒的雙手為模型的 〈在手中〉，兒童手中捧著一團纖細絲線交錯的結構物體，似乎在掂量靈魂的重量，稍微觸碰就會潰散，視覺化生命的神奇和纖細脆弱，同時具有強大的凝聚力。
接著是大型裝置〈不確定的旅程〉，用全長 280公里長的紅毛線，鋪天蓋地交織空間，還有黑色金屬線勾勒出船的輪廓。這件作品和2015 年威尼斯雙年展發表的〈掌之鍵（鑰匙）〉同樣運用紅線和船，當時鹽田千春使用的是威尼斯傳統的舟裝置作品，上方用紅線垂釣無數鑰匙。〈不確定的旅程〉是一年後的作品，舟的形體抽象化了，鑰匙也沒了蹤影，代表所有枷鎖都被打開？或所有問題都無解？作品的輕盈感別有豁然開朗之感。
對鹽田千春而言，船好比「孤獨航行在宇宙之中，朝某個方向前進，然而船一翻就會死亡，我們抱著這樣的危機感前進。」至於絲線，她說黑色可以表現夜空、宇宙，紅色是血液，或是連繫人與人之間的「紅繩」。
2008年作品〈在寂靜之中〉則是黑線密布的空間中，擺放焚燒過的鋼琴，燒焦的無人座椅的裝置作品。這是鹽田千春根據年幼時期鄰居遭逢火災的記憶所作。「九歲時，鄰居夜裡發生火災，翌日一台燒焦的鋼琴放在屋外，似乎比過去更美。一股無可名狀的沈默襲來，那幾天每當燒焦味隨著風吹進家中，我感到自己的聲音也陰鬱了起來。」不再發出聲響的鋼琴， 和不存在的觀眾的寂靜之中，奏出視覺的音樂。
黑線包圍白色洋裝的〈時空映射〉也是2008年作品。如同皮膚包覆身體，衣服也象徵了自己的內與外的境界。白衣懸浮在無盡黑線交錯的空間中，讓人感受不存在的存在感。這個框架的空間中還裝置了一面鏡子，提示了虛實的曖昧境界。
皮膚，內與外的境界
「第一層皮膚是人的皮膚，衣服是第二層皮膚，再來第三層皮膚是居住空間，包圍人類身體的牆和門窗。」2008年作品〈內與外〉以柏林廢棄的窗戶為材料，鹽田千春在2004年左右開始使用窗創作作品，作為隱私的界線，本展使用約230扇窗裝置。
鹽田千春於1996年移居德國，在柏林圍牆崩壞15年後的2004年左右，開始使用窗戶製作作品。當時柏林加速再開發，拆除許多建築物，鹽田千春在那樣的時空背景下收集廢棄窗戶。窗是隱私空間的內與外的境界，也令人聯想分隔東西德的圍牆。然而本展窗牆圍起的是柏林的照片，看出窗外卻是鹽田千春的繪畫，又多了一重內外翻轉。
本展還運用了有旅行、遷徙意涵的行李箱。2014年作品 〈集積─追求目的地〉用紅線懸吊440個漸次上升般的行李箱，作品靈感來自鹽田千春在柏林發現的一個裝了舊報紙的行李箱。如同物件各自包藏著記憶，行李箱也意涵著陌生人的記憶、遷移，或象徵尋求安身之地的難民的旅程，或人生旅途，帶著下一步的預感。
裝置的400多個行李箱中，有些突然震動起來，意味即將起身到新的城市，如同有時不得不動身的人生情境。「無論去到哪裡，都與自己出生的故鄉有連結，紅線就是其表現。行李箱的晃動，代表不得不啟程。動身那天的早上，帶著裝滿思念的行李，顫動著。」
〈該去之處，該有之物〉也是行李箱之作，裝著私人收藏的照片、簡報、建築物的瓦礫等失去過往的物件。彷彿是誰的遺物和紀念品，行李箱將這些記憶搬運至未知的未來，在充滿不確定性的世界，一切確實存在過。
身體部位登場
鹽田千春長期以「不存在的存在」為主題創作作品，表現只存在於記憶和夢之間，沒有物理存在的感覺和能量，並賦予形體。除了早期的表演作品，試圖將自己的身體融入作品之外，作品中從未出現身體，藉此表現「不存在的存在」。
2017年癌症復發後，鹽田千春接受醫院治療過程，遵從 規律的系統安排中，浮現「我」和「靈魂」等疑問，開始使用身體的部位創作作品。抗癌過程中，鹽田千春感覺身體飽受摧殘，她收集壞了的人偶殘片，然後再用自己的手足為模型鑄造作品。新作包括用玻璃製作的細胞模型〈再生與消滅〉，以及鹽田千春用自己身體部位為主題的裝置〈外化的身體〉等。
鹽田千春說，摘除罹癌器官、接受化學治療的經驗，有「被靈魂拋棄」之感:「在海外生活了22年，非常執著於表現皮膚這個主題，〈外化的身體〉用了動物的真皮，表現一面被切割的皮，和支離破碎的身體的連結狀態。」以肉體為主題的創作，深刻體現她兩年來鬥病的過程。片岡真實說:「鹽田千春過去在不存在中創造生命存在的感覺，這次的作品，則將那種不存在作品化。」
同一展示還有用迷你家具製作的〈小記憶的連結〉，原來用來家家酒的玩具，經過紅線纏繞糾結，形成獨特的鹽田千春世界，落地窗外俯瞰的東京市景，也成了微縮的人生劇場。鹽田千春將迷你玩具轉化為重量感的作品手法，令人震撼。
展場最後的新作〈關於靈魂〉中兒童再度登場，呼應了展覽第一件作品〈在手中〉。〈關於靈魂〉訪問幾位10歲德國小孩「靈魂是什麼?」「在哪裡?」「動物、植物也有靈魂嗎?」 「人死後靈魂與會消失嗎?」等自古以來思想家所探討的課題，天真爛漫的童言童語，四兩撥千斤地回覆了這些人生大哉問，如同棒喝也令人莞爾。
在這展覽最後一件作品的說明，最後一句話，鹽田千春寫著:「我自己，全力以赴活著。」
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